El soplo del mundo
En El soplo del mundo, una serie de multinaturalezas de cerámica se despliega cual atlas imaginario.

Entidades de tierra y agua que pasaron por el calor del fuego para poder ser y estar en el tiempo, se reproducen como híbridos. Nacen de una arqueología de la memoria y de la sinestesia de vivencias, tanto en paisajes naturales como en paisajes urbanos.

Naturaleza y artificio se funden, disolviendo el pensamiento dicotómico habitual y heredado de la Modernidad donde se ven como opuestos.

Diversos ecosistemas con características propias que coexisten en la contemporaneidad dan vida a una Naturaleza Otra, una Nueva Naturaleza que nos atraviesa, desplazando la antigua idea de una única naturaleza idílica.

Nos fundimos con el mundo y el mundo se funde con nosotros, hay una interdependencia, en palabras de Emanuele Coccia “Vivir es: respirar y abrazar en el propio soplo toda la materia del mundo.”

Lucila Amatista

La forma parlante

En varias charlas con la artista parece este enunciado “yo pienso mucho mis piezas, yo reflexiono mucho mi trabajo”. Infiero rápidamente la idea de profundidad, en dos sentidos: uno ideal y otro físico.

Lucila Amatista es ceramista, realiza pequeñas obras de formas orgánicas. Remiten claramente a formas vivientes, y sí, a seres de la profundidad del océano o a microorganismos.

Produce mucho, es prolífica, reproductiva, si jugamos con términos de la representación de lo natural. Con su obra se construye a sí misma como coleccionista, clasificadora e investigadora de su propia naturaleza de fantasía.

Lo que se presiente es un vínculo amoroso de la artista con sus seres. Cada obra puede abarcarse con dos manos. La paleta de colores creada por Lucila no es nada evidente lo que permite que sean atractivas, frescas, llenas de vida.

Muchos de sus “organismos” presentan concavidades persuasivas haciendo metáfora de lo profundo. Quizás tengan secretos de Amatista o nos canten como los caracoles de mar. Lo convexo también se hace frecuente en múltiples extensiones, como corales, con apariencia de guardianes de aquellas profundidades. Ambas situaciones se entrelazan en forma recurrente y dinamizan nuestra mirada.

Su gran manejo de la morfología, muy imaginativa y con una escala amable, producen indiscutiblemente estas ficciones. Ficciones que estimulan lo táctil. Una vez que vemos sus obras queremos apropiárnoslas y hacer nuestra propia colección de esas materias bellas para que en su entramado poético podamos intercambiar secretos.

Olga Correa
Texto de la muestra La forma parlante.
MACSUR Museo de Arte Contemporáneo del Sur, Buenos Aires, Argentina.
2017

Text for La forma parlante (The speaking form) exhibition

In many conversations with the artist, I come up with this statement “I think a lot about my pieces, I reflect a lot on my work”. I rapidly infer the idea of depth in two aspects: one ideal and the other, physical.

Lucila Amatista is a ceramic artist; she makes small organic-shaped pieces. They clearly refer to living forms, and yes, to beings found deep in the oceans or to microorganisms.

She produces a lot, she is prolific, reproductive, if we choose to play with terms that represent what is natural. With her work, she presents herself as a collector, a classification specialist and an investigator of her own fantasy nature.

The artist’s loving bond with her beings is easy to grasp. Each of her pieces can be held with both hands. The color palette created by Lucila is not at all evident, which allows them to be attractive, fresh, full of life.

Many of her “organisms” show a persuasive hollowness, which is a metaphor of depth. They may hold Amatista’s secrets or sing like seashells. Convex shapes are also frequent in a multiplicity of extensions, such as corals that look like guardians of the depths. Both situations intertwine frequently and make our visual experience dynamic.

Her great use of morphology, so imaginative and in a kind size, undoubtedly produces these fictions. Fictions that stimulate your sense of touch. Once we see her art we want it for ourselves so we can create our own collection of this beautiful material and trade the secrets hidden in its poetical texture.

Olga Correa
Text for La forma parlante (The speaking form) exhibition.
MACSUR Museum of Contemporary Art of the South, Buenos Aires, Argentina.
2017

Texto de la muestra Vida primaria

En uno de sus espacios de creación, Lucila Amatista genera lo que podrían ser los objetos o los rastros de un extraño personaje. Primorosas cajas donde ha atesorado rarezas naturales; o su mesa de observación, detenida en un instante, donde los especímenes, antes de ser guardados, participan de un cierto desorden en el que podemos espiar las curiosas relaciones entre las cosas que su mente imagina. Se trata, sin duda, de un coleccionista al margen de las ciencias, o de un tiempo anterior, en el que los gabinetes de curiosidades aún no habían sido atravesados –desmantelados- por el orden racional de las clasificaciones biológicas y geológicas.

Podríamos resumir en el nombre de Mark Dion todo un espacio del arte contemporáneo dedicado a la apropiación crítica de los saberes de las ciencias naturales y sus dispositivos de display. Este distanciamiento conceptual está lejos de la escala íntima, el cuidado artesanal y el espíritu amateur con que Lucila Amatista dota a su personaje.

Sin embargo, no importa cuán caprichoso o personal, se trata de un orden humano aplicado a especies naturales. Pero los organismos vivos, a diferencias de las ideas, se organizan a sí mismos y se auto reproducen. En un segundo espacio de creación, la artista no procede representando formas de la naturaleza, sino intentando emular su dinámica de génesis y multiplicación celular. He aquí el sentido primero –ya no de la cerámica y la acuarela como medios artísticos- sino del agua y la tierra como el sustrato desde donde se origina la vida primaria.

Si una semilla es capaz de hacer estallar a un muro ¿qué sentido tiene preguntarse por su forma? La única pregunta importante por hacerle a la semilla es ¿hasta dónde irás?. Esta es la lección que nos trae Deleuze para comprender la visión de Spinoza: no una jerarquía de seres organizados bajo el dominio de la mente humana –Dios creador por encima del mundo- sino un Dios-energía repartido en cantidades diferenciales de potencias que se expanden, combinan y cesan en un gran plano inmanente.

Hagamos el esfuerzo de comprender que, si las manchas de pigmento acuoso –lo mismo que los trozos de arcilla- crecen pacientemente a través de mínimos matices y se multiplican flotantes sobre planos ingrávidos, no se trata simplemente de decisiones cromáticas y compositivas de una artista, sino de su esfuerzo por proceder con la materia del mismo modo en que la vida se auto produce microscópicamente.

El esfuerzo no será menor si tenemos en cuenta que el destino último de las ciencias no es producir saber sino legalizar, mediante patentes de propiedad intelectual, la posesión empresaria de las capacidades generativas de los organismos vivos, separando poblaciones enteras del acceso a su propio medioambiente. Y así, la obra de Lucila Amatista podrá comprenderse, también, en sus implicancias éticas y políticas.

Valeria González
Texto de la muestra Vida primaria.
RO Galería de Arte, Buenos Aires, Argentina.
2015


Text for the Vida primaria (Primal Life) exhibition

In one of her aspects of creation, Lucila Amatista generates what may well be described as the objects or the trails of a bizarre character. Exquisite boxes where natural oddities have been treasured; or his observation table, paused in time, where these beings, before being stored, participate in a certain chaos and we are able to spy the curious interactions of those things that his mind imagines. We are undoubtedly talking about a collector who works on the fringe of science or before science even existed, and, thus, his curiosity-filled containers are yet to be organized – affected – by the rational order provided by biological and geological classifications.

We may summarize on behalf of Mark Dion a space of contemporary art dedicated to the critical appropriation of knowledge owned by natural sciences and their display mechanisms. This conceptual distance is far from the intimate scale, the delicate crafting and amateur spirit with which Lucila Amatista equips his character.

Nevertheless, it does not matter how whimsical or personal it may be, it is about the human order applied to natural species. Living organisms, however, and unlike ideas, organize and reproduce themselves. In another aspect of her creation, the artist does not proceed to represent natural forms but intends to emulate its genesis and cellular multiplication dynamics. Here we can witness its meaning – not ceramics and watercolor as artistic means – but water and earth as basis for primal life.

If a seed is capable of making a wall explode, why would it make sense to wonder about its shape? The only question to be made to the seed is: how far would you go? This is the lesson to be learnt by Deleuze in order to comprehend Spinoza’s vision: it is not about a hierarchy of organized beings under the rule of the human mind – a God-creator above all – but a God-energy divided into different amount of powers that expand, combine and cease to exist on a bigger and immanent scale.

Let us try to understand that these watercolor stains – as well as the pieces of clay – grow patiently through mere nuances and they multiply floating on non-gravitational spaces. It is not about simple chromatic and compositional decisions made by the artist, but about her effort to work with the material in the same way life reproduces itself at a microscopic level.

The effort will not be minimal if we bear in mind that the ultimate goal of science is not to obtain knowledge but to legalize, by means of intellectual property patents, the ownership of generating abilities of living organisms by businesses, depriving entire population from access to their own environment. Thus, this work by Lucila Amatista may also be understood from an ethics and political viewpoint.

Valeria González
Text for the Vida primaria (Primal Life) exhibition
RO Art Gallery, Buenos Aires, Argentina.
2015

El Naturalista

La obra El Naturalista ahonda en el tema del coleccionismo y es consecuencia de las investigaciones que vengo llevando a cabo, en relación a la creación de seres de mi invención en cerámica. Estos seres o entidades, como los llamo, no pueden ser definidos como una especie del reino animal o vegetal, y es en esta indefinición donde radica mi interés. No siendo de una especie determinada, forman parte de una familia, ya sea por sus características fisonómicas similares, el medioambiente en el que se desenvuelven o simplemente por su manera de reproducirse o alimentarse.

En un cierto espacio, juntos, cuentan una historia, nunca cerrada e interactuando a su manera. En este caso quieren contar el interés de uno o varios coleccionistas.

La Real Academia Española define al coleccionismo como una “afición a coleccionar objetos y una técnica para ordenarlos debidamente” y al coleccionista como “la persona que colecciona”. Si siempre me puse en la piel de un biólogo que investiga estas “especies”, ahora me pongo en la piel de un coleccionista, formando un raro acervo, buscando y seleccionando piezas, ordenándolas, clasificándolas y estudiándolas.

Fue de gran inspiración para crear este proyecto mi padre y su pasión por coleccionar rocas. Las cuales atesora en diversas cajas, que una vez abiertas presentan todo un mundo a nuestros sentidos.

Los entes de las cerámicas transmutan para ser otros en las acuarelas, hay una filiación. Cada ejemplar es parte de un muestrario, de un inventario de entidades de agua y pigmento. Algunos de ellos interactúan entre sí, otros se muestran estáticos. En ciertos casos encontramos más de un organismo vivo con sustancias parasitarias, bosques o cascadas.

Estos seres de mi invención, en cerámica o acuarela, viven en un universo tan monstruoso como bello, silencioso, inmóvil. Rebosante de vida. Con tantos tipos de seres vivos como encuentros de fluidos haya. Clanes y familias.

Lucila Amatista.
Buenos Aires, 2014.


Text for the piece El Naturalista (The Naturalist)

The work of art called El Naturalista is about collections and it is the consequence of the research I have carried out in relation with the creation of my ceramics made-up beings. These beings or entities, as I call them, cannot be defined as a species of either the animal or vegetable kingdom; and my interest is centered in this lack of definition. Without belonging to a determined species, they are, indeed, part of a family, either due to its similar physiological characteristics, the environment in which they interact or, simply, their way to breed or feed.

Placed on the same surface, all together, they tell a story that never ends interacting in their own way. In this case, they want to express the interest of one or many collectors.

The Spanish Royal Academy defines “collectionism” as the “hobby to collect objects and a technique to put them in the correct order” and it defines “collector” as “the person who collects”. I always posed as a biologist who investigates these “species”, in this case, I pose as a collector gathering an odd collection, researching and selecting pieces, ordering, classifying and studying them.

My father and his passion in the collection of rocks were my greatest inspiration in the creation of this project. He treasures the rocks in many boxes and, once those boxes are opened, they provide a whole new world for our senses.

The ceramic beings transmute to become others in the watercolors, a kind of filiation. Each one is part of a sampling, an inventory of entities made of water and pigment. Some of them can be seen interacting, some others are static. In some cases, we may find more than one living organism along with parasitic substances, woods or waterfalls.

These ceramic or watercolor beings created by me live in a monstrous universe that is, at the same time, beautiful, silent and motionless. Brimming with life. With as many living beings as fluids can be found. Clans and families.

Lucila Amatista.
Buenos Aires, 2014.

Sobre el Cambio en Latinoamérica y el Caribe

La invención del arte abstracto durante el siglo XX ha generado la aparición de dos tendencias complementarias. La abstracción geométrica en general ha sido asociada a la búsqueda de un orden universal de esencias que subyace en las múltiples y cambiantes apariencias del mundo sensible. Sin embargo, las fuerzas activas de la Naturaleza, en permanente transformación y tan difíciles de comprender, fueron las que inspiraron el surgimiento de la abstracción biomórfica. Las obras en cerámica de Lucila Amatista pertenecen a esta tradición.
A su amor por las formas vegetales y orgánicas, la artista agrega los valores estéticos que fueron largamente considerados indignos por el arte moderno debido a su asociación con lo femenino: las técnicas de la cerámica en sí mismas, tradicionalmente consideradas como un arte menor o una labor doméstica, la pequeña escala de sus objetos y el sentido decorativo que se muestra en el brillo de su esmaltado.
Para Amatista, no hay medio más adecuado para expresar la naturaleza de los organismos vivos que el proceso de modelar una sustancia blanda que posteriormente atraviesa una mutación irreversible cuando se cuece en un horno. Las obras en cerámica siempre revelan el esfuerzo de pensar la forma como expresión del potencial de una sustancia específica. “Un trozo de arcilla se vuelve más inteligente cuando se convierte en arte”, dijo el artista británico Tony Cragg. Forma y materia se encuentran inextricablemente ligadas, de modo que las siluetas, bultos, curvas, cavidades y protuberancias en los trabajos de Lucila Amatista expresan, entre otras cosas, lo que la arcilla puede hacer cuando se es trabajada con la perseverancia de un escultor.

Valeria González
Texto del catálogo de la muestra Sobre el Cambio en Latinoamérica y el Caribe
Programa de Arte del Banco Mundial, Washington D.C.
2011


About Change in Latin America and the Caribbean

The invention of abstract art during the 20th century generated the appearance of two complementary tendencies. Geometric abstraction was generally associated to the search for a universal order of essences that underlies the multiple and changing appearances of the sensible world. However, the active forces of Nature, in permanent transformation and difficult to grasp, were those that inspired the emergence of biomorphic abstraction. Lucila Amatista’s ceramic works belong to that tradition.
To her love for vegetal and organic forms, the artist adds aesthetic values that were long considered unworthy of modern art because of their association with the feminine: the techniques of pottery itself, traditionally considered as a minor art or domestic craft, the small scale of her objects, and the decorative sense shown in the brightness of their enameling.
For Amatista, there is no medium more suitable to express the nature of live organisms than the process of modeling a soft substance that subsequently undergoes an irreversible mutation when fired in a kiln. Works in ceramic always reveal an effort to think of form as expression of the potential of a specific substance. “A piece of clay becomes more intelligent when it is made into art,” said British artist Tony Cragg. Form and matter are inextricably tied, so that the silhouettes, lumps, curves, cavities, and protuberances in Lucila Amatista’s works express, among other things, what clay can do when it is being worked on with the perseverance of a sculptor.

Valeria González
Text for the exhibition catalog About Change in Latin America and the Caribbean.
The World Bank Art Program, Washington D.C.
2011

Femenino

Una sucesión de tramas, ora bordadas, ora dibujadas en lápiz y/o tinta, multiplicadas, sutilmente variadas, generan una familia de trabajos cuyo orden se va encadenando y creando una realidad plástica de alcance imprevisto. Las obras funcionan como módulos independientes, pero a la vez interconectados, de una cartografía que puede representar tanto un microcosmos como un macrocosmos. Rescatando el ancestral oficio del bordado, restringiendo la utilización del color a un mínimo esencial , quizás para compensar el elaborado (a veces engañosamente simple) trabajo de composición, Lucila nos ofrece un abanico de obras donde una multiplicidad de sugerencias nos recuerda que “sólo hay una cosa valiosa en arte: la que no se puede explicar”. El silencio del blanco papel deja de ser pasivo y se torna activo, fertilizado por el hilo o la línea, construyendo una realidad nueva y primordial que impregna perdurable y delicadamente nuestra memoria.

Roberto Scafidi
Texto del catálogo de la muestra Femenino.
Mil 100 Art Gallery, Buenos Aires, Argentina.
2008


Text for the exhibition catalog Femenino (Femenine)

A sequence of wefts, some embroidered, some drawn in pencil and/or ink, multiplied, subtly varied, create a family of pieces that are connected to each other and generate a reality of unexpected reach. These pieces work as independent modules but they are, at the same time, interconnected and present a cartography that may represent both microcosm and macrocosm. Reviving the ancient embroidery craft, restricting the use of color to the bare minimum, maybe to compensate for the elaborate (sometimes deceivingly simple) composition work, Lucila offers us a range of options where a number of suggestions reminds us that “there is only one valuable thing in art: that which cannot be explained”. The silence portrayed by a white sheet of paper stops being passive and becomes active fertilized by a thread or a line, creating a new and primary reality that will lastingly and delicately live in our memory.

Roberto Scafidi
Text for the exhibition catalog Femenino (Femenine)
Mil 100 Art Gallery, Buenos Aires, Argentina. 2008

Z-Lab una selección, una exposición en proceso

Hace algunos años descubrí el arte textil. Este significó para mí un universo de recursos plásticos inimaginados. Tejer y bordar papel se convirtieron en actividades sumamente lúdicas que jamás abandoné.
Tiempo atrás, descubrí que las tramas generadas por los materiales textiles podía realizarlas también mediante tinta china – plumín, que luego convivieron con el lápiz de mina.
Comencé a utilizar todos estos elementos para la creación de mis dibujos, pero no todos se combinan. Por un lado, utilizo el lápiz, hilos – aguja; por el otro, el lápiz, tinta china – plumín.
Estos materiales me permiten realizar un trabajo sumamente repetitivo, generado por un mismo gesto, la misma acción compulsiva a crear tramas.
En algunos casos, ordenadas racionalmente, se van quebrando dando lugar a la combinación de un trabajo sistemático–racional con otro más libre.
Los dibujos surgen de ideas básicas como el trazado de la trama en lápiz o en tinta, que se quiebran o acrecientan – acumulan. Generalmente no utilizo bocetos. En el mismo proceso creativo van apareciendo las ideas a seguir. Así es como los errores que se pueden ir dando - una puntada o línea equivocada – si me interesan los apropio y ellos mismos pueden, según sea el caso, generar otro camino en el curso futuro de la obra.

Lucila Amatista
Texto del catálogo de la muestra Z-Lab una selección, una exposición en proceso.
Zabaleta Lab, Buenos Aires, Argentina.
2004 - 2005


Text for the exhibition catalogue Z-Lab a selection, an exhibition in process

Some years ago, I discovered textile art. This meant a universe of unimagined visual resources. Knitting and embroidering paper became new ludic activities that I have never abandoned. Some time ago, I discovered that the wefts created by textile materials could also be made with India ink and a nib, which later coexisted along with the lead pencil.
I started using all these elements to create my drawings, but not all of them can be combined. On the one hand, I use pencil, thread and needle; on the other hand, pencil, India ink and a nib.
These materials allow me to create a repetitive work, making the same gesture, the same compulsive action to generate a weft.
In some cases, rationally ordered, they start breaking up which gives way to the combination of a systemic-rational work and a freer one.
The drawings start from basic ideas such as the layout of the weft made in pencil or ink. They break up, become bigger – accumulate. I don’t generally use sketches. The ideas appear during the creative process. That is how mistakes can occur – an incorrect stitch or a wrong line – and, if they interest me, I make them my own and they may, according to the case, give way to a different path in the future of the piece.

Lucila Amatista
Text for the exhibition catalogue Z-Lab a selection, an exhibition in process.
Zabaleta Lab, Buenos Aires, Argentina.
2004 - 2005